Tanto Viola Davis como Octavia Spencer son favoritas para hacerse con el Oscar en la ceremonia de este año, gracias a sus divertidas y tiernas interpretaciones en la película favorita del público estadounidense, Criadas y Señoras. Sin embargo, la estatuilla, a veces, es una molestia que no deja avanzar la carrera de los ganadores. En otras ocasiones, en cambio, prometedores proyectos comienzan a acumularse en sus puertas. Ése parece el caso de estas dos actrices afroamericanas conocidas sobre todo por su trabajo como secundarias.

La primera, que con The Help ha logrado su primer rol protagonista, acaba de fichar por la esperada adaptación del clásico de ciencia-ficción El Juego de Ender y por Beautiful Creatures. Spencer, a su vez, no solo se prepara para el debut en la dirección de Diablo Cody, sino que también se suma a la creciente lista de talentos en la primera y original película en inglés de Bong Joon-Ho (Madeo), Snow Piercer.

La carrera de esta última, nacida en la comedia de los clubs de improvisación, ha pasado de estar repleta de papeles sin nombre, y casi sin diálogo, en televisión, a coronarse muy probablemente con un galardón de la Academia. El director sur-coreano quiere poner la guinda en el pastel, al concederle una oportunidad en un elenco que ya incluía a Chris Evans, Tilda Swinton, Jamie Bell, John Hurt y Song Kang-Ho. Basada en el cómic francés Rompenieves, la cinta se sitúa en un futuro apocalíptico donde un fallido experimento por acabar con el calentamiento global abre una edad de hielo que mata a todos los seres vivos del planeta, con la excepción de los habitantes de un tren que viaja alrededor del mundo con un motor automático. Allí se ha creado una sociedad en la que la idea de revolución social se ve como inminente. Una historia perfecta para los tiempos que vivimos.

Antes, en marzo, Spencer rodará Lamb of God, donde se unirá a Russell Brand y Julianne Hough en un alocado resurgimiento religioso en Las Vegas. Cody toma las riendas de la dirección por primera vez en su corta carrera. Veremos como sale el experimento.

En otro orden de cosas, Viola Davis, a la que muchos descubrimos por su primer nominación al Oscar en La Duda, ha dicho en numerosas ocasiones que está dispuesta a participar en proyectos de todo tipo de géneros. Después de un excelente año donde dos de sus películas han llegado hasta los Oscars (la otra es Tan fuerte, tan cerca), la actriz se unirá al clásico de la ciencia-ficción Ender’s Game que dirige Gavin Hood y que cuenta con los nombres de Asa Butterfield, Abigail Breslin, Ben Kingsley, Hailee Steinfeld y Harrison Ford delante de la cámara. Davis tomará el rol de la psicóloga del centro de entrenamiento, que prepara a los niños mentalmente para la batalla final con los Insectores a través de juegos de realidad virtual.

Tras, terminar con este pequeño papel, se subirá a otra franquicia, Beautiful Creatures, basada en los libros para adolescentes de Margaret Stohl y Kami Garcia, dirigida y adaptados por Richard LaGravenese (Agua para Elefantes). Los protagonistas son una pareja de adolescentes: Luna, una chica que posee algún tipo de secreto supernatural heredado por su familia y Ethan, el chico enamorado. Davis será una librera y figura materna del último, después de que su madre muriera cuando era pequeño.

Buenos tiempos para dos secundarias de lujo que buscan mayores registros para las actrices afroamericanas, todavía una minoría en Hollywood.

Vía | The Hollywood Reporter | The Playlist

El arca de Noé del siempre original y onírico Darren Aronofsky lleva meses sobre la mesa de New Regency/ Paramount, quienes, pese a estar muy interesada en el proyecto, no quierem dar luz verde a la ligera, por miedo a gastarse 130 millones de dólares sin tener la seguridad de poder recuperarlos. Es verdad que una estrella establecida no es siempre sinónimo de éxito en el Hollywood actual (donde las estrellas cada vez cuentan menos), pero, aún así, podría dar a la productora la seguridad necesaria para poner en marcha el millonario rodaje.

Christian Bale se cayó a la primera de cambio, al decidirse a hacer un maratón junto a Terrence Malick, mientras que el poder de atracción de Michael Fassbender, que también circuló la producción, no acabó de atraer a los magnates. Russell Crowe y Liam Neeson son los nombres que se ponen ahora sobre el tablero, una pareja de probados actores que tienen suficiente veteranía en esto de capitanear super-producciones importantes.

El primero, a años luz de ser el gran rostro que fue, interpretaría a Noah, el profeta que da nombre a la cinta y a la famosa barca que, según esa genial fábula de ficción llamada la Biblia, reunió a animales de todas las razas. Reconvertido en toda una estrella de acción casi a los 60 (por paradójico que parezca), el celebrado escocés podría estar siendo tentado para transformarse en el gran villano en escena, quien, según el director de fotografía Matthew Libatique, destaca más en la historia que el propio Noé.

La ambiciosa producción debería comenzar a rodar en verano, pero, por culpa de las constantes de Paramount, parece que todavía tendremos que esperar un poco más para que la fecha se cumpla. Esperemos que la adición de esta pareja de nombres sea la receta del éxito perfecta.

Vía | The Playlist

En una escena de La piel que habito, el personaje interpretado por la magnífica Marisa Paredes define la actitud de Antonio Banderas como el amor de un loco. Frase que bien podría aplicarse al director de esta extraña y arrebatadora película, el amor de un loco por el cine, el amor de un loco por el riesgo, el amor de un genial contador de historias, tan rocambolescas como bellas, por su público y su compromiso con este de nunca tomar el camino fácil, con todo lo que ello conlleva.

Pedro Almodóvar es un cineasta peculiar y genuino, tan amado fuera de nuestras fronteras como vilipendiado en nuestro país. Y es que en ciertos sectores de esta querida patria nuestra, todavía no se tolera que personajes como Almodóvar posean una voz autoral propia y una libertad creativa a prueba de bombas. Más de uno habrá fruncido el ceño ante la avalancha de nominaciones para La piel que habito, realizando las típicas acusaciones de amiguismo a que nos tienen acostumbrados. Acusaciones y recelos que en países como Francia no tienen la menor cabida ya que allí sí saben reconocer a un genio cuando se topan con él.

Hubiese sido fácil para Pedro Almodóvar no realizar una película como La piel que Habito, plegarse a ese estatus internacional del que viven otros directores, realizando películas insustanciales una vez al año y dormirse en los bien merecidos laureles. De hecho, su salud y sus amigos se lo hubiesen agradecido. Pero ese riesgo que asume Almodóvar en su cine es precisamente el que le otorga codearse en el Olimpo de nombres como Federico Fellini o Luis Buñuel.

En un año en el que dos obras maestras como la cinta de Almodóvar y No habrá paz para los malvados compiten por todo en los premios Goya, estos ataques orquestados contra el cine español, y personalizados en su máximo exponente Pedro Almodóvar, son todavía más risibles e infundados.

Pedro Almodóvar se siente completamente cómodo caminando entre el fino alambre de lo sublime y lo ridículo, saltando al vacío incluso en el momento más inesperado, consciente de que ese salto es precisamente lo que separa al genio del buen director. Sin embargo, Almodóvar es un loco que cuándo salta al vacío lo hace de la mano de la música maravillosa de Alberto Iglesias y de la fotografía excelsa de jose Luis Alcaine lo que asegura, más que una caída, un plácido vuelo.

Gracias a las últimas cuatro secuelas de Harry Potter, David Yates ha pasado de ser un director desconocido de la televisión británica al cineasta más taquillero de la primera década del siglo XXI. Su fama le ha dado la oportunidad de pensarse con cuidado cómo dar su próximo paso, contemplando y eligiendo entre diversos proyectos. Pero, ahora que tiene claro su futuro, es la hora de devolver el favor a sus compañeros en la saga del niño mago. Your Voice In My Head será la próxima producción que dirija, y en ella seguirá acompañado por una Emma Watson deseosa de llegar a papeles más maduros, sin acabar como Carrie Fisher.

La eterna Hermione Granger dará vida a la guionista Emma Forrest, escritora de las memorias en las que se basa y también del propio libreto del film. La historia seguirá a esta joven en su batalla contra su comportamiento auto-destructivo, del que logra curarse con la ayuda de un compasivo psicólogo que salvó su vida. Para el rol masculino, Warner parece estar buscando un actor de peso, con George Clooney y Tom Hanks entre los nombres contemplados en la jugosa lista.

Por supuesto, el proyecto no podía ser más diferente a Harry Potter. Más un drama intimista que una super-producción llena de efectos especiales, ésta podría ser un punto definitorio tanto para Watson como para Yates, que ha demostrado en la pequeña pantalla que es capaz de adentrarse en cualquier género. La joven promesa, por su parte, sigue de este modo la estela que ha venido marcando con su corto papel en My Week with Marilyn y la próxima The Perks of Being a Wallflower.

Vía | Deadline Hollywood

Jackie Brown es una de las películas más incomprendidas de Quentin Tarantino. Homenaje al género blaxplotation, la película es la única adaptación en la historia del director, y quizás por ello sea catalogada como su cinta menos personal, aunque su carácter rezume en realidad por todos los poros. Eso significa también que los derechos de la obra no pertenecen al cineasta, sino al veterano autor original, Elmore Leonard, que está a punto de volver a ver a algunos de sus geniales personajes aproximándose a la gran pantalla, en la adaptación de The Switch.

El nominado al Oscar John Hawkes (Winter’s Bone) y el rapero Mos Def (o como se llame este mes) darían vida, respectivamente, a los personajes inmortalizados por Robert De Niro y Samuel L. Jackson. Esta especie de precuela alrededor de dos de los secundarios más carismáticos de la película presentará, sin embargo, un argumento alejado de la primera. De hecho, la historia fue escrita 15 años antes de que se publicara Rum Punch (en la que se basaba Jackie Brown), y presentaba a los compañeros de celda Ordell Robbie (Def) y Louis Gara (Hawkes) en su salida de la cárcel, donde han estado preparando su próximo gran golpe. Su plan: secuestrar a la esposa de un poderoso empresario de Detroit, y pedir un rescate. El problema viene cuando el plan, como ocurría en Jackie Brown, no consigue sus objetivos, dado que descubren que el hombre no quiere a su mujer de vuelta. La solución resulta todavía más alocada. Gracias a la ayuda de una bella ama de casa hambrienta de venganza, éste es el momento de pensar en el asesinato.

Guste o no la idea de hacer un spin-off de la cinta, hay que reconocer que ésta es una historia de lo más jugosa, y que podría ser interesante sin la necesidad de hacer comparaciones o equipararla a Jackie Brown, que era casi una película de los Coen. Hawkes es uno de los character actors más notables del negocio, y siempre está ocupado con proyectos de categoría (ya se habla incluso de una segunda nominación al Oscar, dentro de un año).

El camino de la adaptación es, además, verdaderamente meritorio. El guionista y director Dan Schechter estaba tan prendado por la novela que escribió un libreto sin los permisos pertinentes. No obstante, Leonard acabó leyendo el guion, y le gustó tanto que concedió sin rechistar los derechos, y se subió al proyecto como productor. El autor de 86 años, uno de los más importantes novelistas modernos, ha visto su obra trasladada al celuloide en innumerables ocasiones. Especialmente destacables son Be Cool, Out of Sight, El tren de las 3:10 y la muy recomendable serie Justified.

Vía | The Playlist

Los matrimonios nacidos en Hollywood son famosos por no durar demasiado. Para la meca del cine, la pareja formada por Paul Newman y Joanne Woodward era la excepción que confirmaba la regla. La suya era una longeva relación que sobrepasaba las seis décadas, hasta que, en 2008, el primero murió. Ahora, su extensa colaboración profesional se alarga más allá de la vida. La veterana actriz servirá de productora ejecutiva en Lucky Them, un proyecto en el que Newman estuvo muy envuelto antes de fallecer. El mítico actor ayudó a los novatos a cargo del proyecto con recomendaciones y consejos en las primeras instancias, y además, creía tanto en el guion, que lo envió a otros actores. El intérprete pensaba incluso regalar uno de esos raros cameos que solo hacía por los proyectos que le apasionaba.

Huck Botko (responsable del libreto de El último exorcismo) se encarga de la dirección y la escritura, aunque este último crédito lo comparte con Emily Wachtel, en quien se basa el argumento de la cinta. Marisa Tomei, Thomas Haden Church y Allison Janney se pondrán frente a la cámara para dar vida a la historia de una periodista musical cuarentañera a la que le asignan el encargo de dar con su ex-pareja. Descrita como una comedia romántica atípica, parece que la cinta pone su principal enfoque en el descubrimiento personal y el paso a la madurez por parte de la protagonista, envuelta en una alocada vida neoyorquina, saliendo con músicos y rechazada por sus amigos que han sentado la cabeza.

Mucho menos conocida que su esposo, Woodward compartió créditos con Newman en numerosas ocasiones. En 1957, un año antes de pasar por la vicaría, se llevó un Oscar por Las tres caras de Eva, a lo que seguirían otras tres nominaciones, gracias a Raquel, Raquel (dirigida por su marido), Deseos de verano, sueños de invierno y, ya en 1990, por Esperando a Mr. Bridge, donde compartió escena, de nuevo, con Newman. Su trabajo de relevancia más reciente es precisamente en el telefilme Empire Falls, donde el protagonista de Dos hombres y un destino se puso por última vez frente a la cámara. Esperemos que al final sea Woodward quien decida hacer un cameo en la cinta. Sería el cierre perfecto de círculo.

Vía | Deadline Hollywood

Tener dos películas similares coincidiendo en el tiempo del estreno es una maniobra clara de un Hollywood donde seguro que los espías andan a sus anchas por los salones de las productoras. Esta curiosa maniobra de negocios hará que 2013 sea, entre otras muchas cosas, el año de los magos. La comedia The Incredible Burt Wonderstone, que enfrentará a Jim Carrey y Steve Carell, lleva semanas en rodaje. Frente a ella, pronto comenzará la grabación de Now You See Me, una cinta de acción con un reparto de lujo que parece que solo compartirá con la primera el trasfondo mágico.

La cinta dirigida por Louis Leterrier (El increíble Hulk, Furia de titanes) será un thriller -en el sub-género heist- que pondrá el objetivo sobre las andanzas de un grupo de ilusionistas que prepara grandes golpes en bancos multinacionales para acabar entregando el dinero a su audiencia, al final de cada actuación. Un equipo de especialistas del FBI seguirá sus pasos muy de cerca. A los dos lados de esta persecución de gatos y ratones, un brillante reparto coral formado por Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Morgan Freeman, Mélanie Laurent (Malditos Bastardos), Common, Michael Kelly, Isla Fisher y Dave Franco (Supersalidos).

El protagonista de La red social se transformará Atlas, carismático líder de los Cuatro Caballeros, quienes tratan de llevar a buen puerto el mayor robo de su carrera en aguas internacionales, y a través de tecnología de última generación. Junto a él, se encuentran el hermano de James Franco y Fisher. Capitaneando el equipo policíaco están Dylan (Ruffalo), determinado a hacer que los prestidigitadores paguen por sus crímenes. A su lado le acompaña la francesa Laurent, en la piel de su reticente compañera Alma, una detective de la Interpol de la que sospecha instantáneamente. Necesitados de un experto, consiguen la ayuda de Thaddeus (Freeman), experimentado en desenmascarar estafas de estas condiciones. Sin embargo, la sospechosa perfección alrededor del golpe lleva a los profesionales a pensar que quizás haya un topo en sus instalaciones, ¿o será simple cuestión de magia?

Completando el elenco, Caine será el mánager de el grupo de magos; Harrelson dará vida a Merritt Osbourne, antiguo mentalista e hipnotista de la Reina de Inglaterra, ahora afincado en Las Vegas. Con este reparto, y un argumento bastante jugoso, muy mal se le tiene que dar al adrenalínico Leterrier para no convencernos. El estreno está previsto para el 13 de enero de 2013.

Ese mismo año aparecerá la antes mencionada Burt Wonderstone, de Don Scardino, que pondrá a Carell, Carrey y Olivia Wilde de esta guisa:

Vía | Shadow & Act

Cormac McCarthy es, sin duda, uno de los autores estadounidenses más importantes de la actualidad, incluso uno de los más destacados de todo el siglo XX (y XXI). Las adaptaciones de su personal obra han tenido, sin embargo, una irregular historia. Bien es verdad que No es país para viejos fue la gran película del 2007, obteniendo el reluciente Oscar a mejor film, pero Todos los caballos bellos no salió tan bien, mientras que la brillante La Carretera, pese a ser muy fiel a la original, no obtuvo el éxito esperado. Después de escribir también obras de teatro (una de ellas, The Sunset Limited, fue trasladada a HBO el año pasado), ha llegado el momento en que el reservado novelista se ha atrevido a escribir directamente para la gran pantalla, a través de un guion llamado The Counselor.

Un proyecto así solo podía contar con un gran director detrás, gracias al interés de una buena cantidad de productores. El elegido parece ser al final Ridley Scott, cuya carrera es tan larga y variada que nunca sabemos lo que esperar, ni en cuanto a estilo ni en cuanto a calidad. Si las negociaciones siguieran adelante, el cineasta tomaría también las labores de producción. El argumento es, por supuesto, muy cercano al estilo e historia de McCarthy.

El libreto, reminiscente del brutal y pesimistas universo tejano de No Country for Old Men y el resto de sus Westerns, tiene como protagonista a un respetado abogado que piensa que puede acabar con el negocio de las drogas sin ser absorbido por el mundo del crimen. Situada en el sudoeste americano, los paisajes y el territorio serán, como de costumbre, un personaje adicional en la historia.

A la espera de que algún día llegue a la gran pantalla Meridiano de Sangre, ésta será una buena oportunidad para que los seguidores del autor puedan ver su original mirada de nuevo en el cine. Scott, por su parte, suma la producción a una larga lista de proyectos sin concretar. Este mismo 2012, estrenará la muy esperada Prometheus, su regreso a la ciencia-ficción y al universo Alien. Esperemos que esto no se traduzca en que esta apetecible producción acabe metida en un cajón, esperando a que Scott termine sus anteriores encargos.

Vía | Deadline Hollywood

Se trata de las películas de las que más se ha hablado tras las nominaciones de los Oscars. Una joya según la crítica que se ha quedado fuera de la lucha por la estatuilla, pero de la que podremos disfrutar muy pronto en nuestro país. La segunda colaboración entre el actor Michael Fassbender y el director Steve McQueen, parece que será un buen reclamo para que nos acerquemos al cine el próximo 17 de febrero, fecha de su estreno en España.

Esta pareja ya había colaborado antes en Hunger, una cinta que encandilo al mundo del cine y que además acumulaba premios en varios festivales. Cosa que ha continuado Shame, con premios como la Copa Volpi del Festival de Venecia.

Ya tenemos disponible el primer tráiler en español, para que vayamos formando una idea de este caramelo en forma de drama. Como acompañante de Fassbender tenemos a una Carey Mulligan que parece que sabe elegir bastante bien sus proyectos, ya que también se ha hablado bastante de su trabajo en Drive el pasado año.

Fassbender interpreta a Brandon, un treintañero neoyorquino con serios problemas para controlar y disfrutar de su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y manteniendo contactos con solteras de Manhattan.

Vía | Alta films

Un francés dirige una película de acción situada en España y protagonizada por un británico nacido en las Islas de Canal, y un estadounidense nacido en una base militar en Alemania. Casi parece un chiste, pero eso es lo que presenta el thriller The Cold Light of Day, un drama sobre conspiraciones dirigido por Mabrouk El Mechri que cuenta con Henry Cavill buscando a sus padres por las calles de Madrid.

El primer tráiler, presenta el argumento completo de manera clara, pero poco concisa. El próximo Superman da vida a un turista estadounidense cuyos padres desaparecen de manera misteriosa. Las pistas le conducen a la capital española, donde descubre que su progenitor, que tiene el rostro de Bruce Willis, lleva una vida paralela como agente de la CIA.

Sigourney Weaver (últimamente habitual en nuestro país, gracias también al Luces Rojas de Rodrigo Cortés) se coloca al otro lado de esta conspiración gubernamental, y la española Verónica Echegui se transforma en el habitual interés amoroso sin demasiados conocimientos sobre lo que ocurre. Joseph Mawle (Juego de Tronos), Óscar Jaenada y Roschdy Zem completan el internacional reparto. La bandera española toma posición en el póster, para que quede bien claro dónde se sitúa la película. Gallardón al menos no hará un cameo esta vez.

Detrás de las cámaras está El Mechri, conocido por el curioso falso documental sobre Jean-Claude Van Damme, JCVD. Pese a haber hecho alguna cosa destacable y diferente, su último trabajo tiene demasiado aire de serie B y se salpimenta con argumentos y secuencias que ya hemos visto antes.

Vía | The Playlist

La verdad sea dicha, Jim Jarmusch siempre ha tenido cierto aspecto vampírico. Sin embargo, nunca hubiéramos predicho que el personal director independiente estuviera dispuesto a seguir la moda, y dirigir un film romántico con vampiros de fondo. Aunque, pensándolo mejor, quizás el responsable de Dead Man es la opción perfecta para dar una vuelta a todo lo que presuponemos sobre el pegajoso amor moderno entre humanos y estos monstruos con colmillos.

Su nueva cinta de terror se titulará Only Loves Left Alive y, para ella, Jarmusch contará con viejos conocidos como John Hurt y Tilda Swinton -que le acompañaron en The Limits of Control- además de con los jóvenes (y muy ocupados) Mia Wasikowska y Tom Hiddleston, nuevos en el universo del cineasta. El último sustituirá a Michael Fassbender en este film que se rodará a finales del año en Alemania. Si algo sabe hacer siempre el director es rodearse de excelentes intérpretes. No nos extrañaría tampoco que Bill Murray acabara formando parte del elenco.

Cualquiera hace un hueco en su agenda para Jarmusch. Hiddleston volverá este año a pelearse con su hermano Thor y su equipo de Vengadores, y, antes de viajar hasta Alemania, finalizará el rodaje de la mini-serie sobre Enrique V para la BBC. Este año incluso cuenta con dos películas nominadas al Oscar, Caballo de Guerra y Midnight in Paris, donde interpretaba jugosos secundarios. A Wasikowska, por su parte, la podemos ver estos días en Albert Nobbs, y ésta no será la última vez que la veamos en el cine a lo largo de 2012.

Vía | The Hollywood Reporter

Después de hacerse con el Globo de Oro, arrasar en las nominaciones a los Oscars y que Michel Hazanavicius se quedara el premio del Sindicato de Directores estadounidenses, la DGA, la victoria parecía estar servida para The Artist. Ésa es la impresión que daba la carrera de premios hasta ayer por la noche, cuando se celebraron los galardones del Sindicato de Actores, que alzaron hasta la gloria, con tres esbeltas estatuillas, a Criadas y Señoras.

Pese a la abundancia de veteranos y omnipresentes character actors con los que cuenta el film mudo, partía con la desventaja de que los dos principales eran franceses. Además, no hay duda de que el elenco The Help tiene un carácter marcadamente coral, repartiendo el protagonismo entre una serie de mujeres muy queridas en Hollywood. De este modo, actrices tan trabajadoras como Emma Stone, Jessica Chastain, Sissy Spacek, Bryce Dallas Howard, Allison Janney, Mary Steenburgen y Cicely Tyson no se fueron con las manos vacías a casa.

Por si el premio a mejor reparto no fuera suficiente, la protagonista, Viola Davis, recibió una ovación con la sala en pie cuando salió a recoger la estatuilla de mejor actriz. Muestra del cariño que la tienen sus compañeros, muchos con los que ha trabajado a lo largo de una larga carrera como secundaria en el cine y los escenarios. La gran revelación del año, Octavia Spencer, tampoco se quedó atrás, y, su premio de secundaria, solo remarcó que el Oscar está prácticamente llamado a sus puertas. Criadas y Señoras entra en la historia al unirse a Chicago y American Beauty en la categoría de películas con más de tres victorias en la corta celebración de los SAG.

A quien se lo podrían entregar sin más dilación el Oscar es a Christopher Plummer, cuyo rol en Beginners (Principiantes) está arrasando allá por donde va. Una excelente mezcla para los secundarios: una nueva estrella con una larga carrera a sus espaldas, y un veterano actor al que nunca se le ha reconocido lo suficiente. La categoría de mejor actor principal, por su parte, fue la única mínimamente sorprendente, gracias a que Jean Dujardin arrebataba a la realeza de Hollywood -Pitt, DiCaprio y sobre todo a Clooney- el preciado galardón. The Artist tenía que conseguir algo, fuera como fuera. Del mismo modo, la película más taquillera del año, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 2, se llevó a casa el premio de consolación, gracias a sus especialistas.

Los SAGs llevan dos años seguidos haciendo pleno, al compartir todos sus premiados personales con los del tío Oscar. ¿Será este el tercero? Sería una excelente noticia para la película de Tate Taylor, todo un fénomeno al otro lado del charco.

Vía | Goldderby

Se puede decir sin ningún tapujo. Jim Henson es uno de los genios audiovisuales más originales del siglo XX. Un creativo sin parangón adelantado a su tiempo, comparable de manera directa con Walt Disney. Por supuesto, su nombre es conocido como el creador de Barrio Sésamo, Fraggle Rock, Dentro del Laberinto, Cristal Oscuro y El Cuentacuentos, pero si posee una franquicia reconocible, esa es la de Los Muppets. Desde siempre vistos desde la simpleza de los españoles como unos títeres para niños, su creador los atisbó como los protagonistas de un show para adultos -pero sin faltar el respeto a los infantes-, y así lo dejó claro durante toda la andadura.

Conocidos durante décadas en nuestro país como Los Teleñecos, Gustavo, Peggy y su banda regresan al cine esta semana con su séptima película cinematográfica, un relanzamiento de los carismáticos personajes diseñado por el nostálgico forofo Jason Segel. Una cinta que tanto crítica (RT, 96%; MT, 75%) como público han abrazado y que recupera lo mejor del estilo, el humor y las sensibilidades que define a los Muppet. Por eso, éste es un momento ideal para echar la vista atrás y rememorar sus clásicos momentos en el celuloide, alguna cinta que es todo un hito y otras mucho más olvidables, creadas en la época tras la muerte de Henson, previa a la absorción del sello por parte de Disney.

Los Teleñecos van a Hollywood: La Película (The Muppets Movie,1979)

Metatextual y divertida como pocas, después de cuatro años de emisión del clásico Show de los Teleñecos, los personajes echaban la mirada atrás para rememorar sus primeros tiempos en el competitivo Hollywood. Presentada como una película de carretera donde Gustavo va reclutando a sus nuevas amistades, la cinta sentaba las bases de lo que sería el cine Muppet. Humor surrealista, caótico y para toda la familia, divertido y entretenido pero sin rebajarse a hacer una película sin argumento ni ideas como hacen muchas de las películas clasificadas como aptas para los niños. Nada de humor soez, ni pre-escolar. El objetivo de Jim Henson nunca fue llevar a los niños a tropel al cine, sino convencer al público generalista estadounidense de que las marionetas podían divertir también a mayores. Su objetivo lo había dejado claro en el original e irrepetible programa de variedades televisivo, y ahora lo volvía a alcanzar en el celuloide. Su inspiración: las visitas a los teatros de Europa del este, donde había comprobado que los adultos reían con los títeres igual, o más, que los propios chavales. Cada uno sacaba una lectura distinta de la historia, y la película se mantiene tan icónica y cautivadora como la primera vez, capturando todavía a todo tipo de audiencia.

A esas alturas, todo Hollywood quería aparecer en una película de los Muppets. Así, dirigida por el desconocido James Frawley, la historia contaba con cameos de Mel Brooks, Elliot Gould, Steve Martin, Madeline Kahn, Bob Hope, James Coburn, Richard Pryor, Cloris Leachman e incluso con Orson Welles en el colofón final. Todos perfectamente medidos y colocados. Algunos, haciendo los roles de sus carreras. Por no hablar del villano perfecto: un Charles Durning relamiéndose con la idea de probar las ancas de rana de Kermit. Por si esto no fuera suficiente, entre los que manejaban los muñecos nacerían dos directores emergentes, que tomarían buena nota de todo lo que Henson les había enseñado. Ni más ni menos que Tim Burton y John Landis estaban detrás de algunas de las marionetas.

Los Muppets conseguían de esta manera afincarse en Hollywood gracias a su primera nominación al Oscar. La icónica The Rainbow Connection, compuesta por Paul Williams y Kenny Ascher, llevaría a Miss Peggy a presentar la gala al lado de Johnny Carson y, aunque esa noche perdiera frente a Norma Rae, quedó para la historia una legendaria sonata que llegaría al corazón de cualquiera. Una que han adaptado Willie Nelson o Sarah McLachlan, quienes nunca podrán a llegar a capturar el alma de hombre normal y sencillo que alcanzaba Gustavo en esta partitura con banjo. Williams perdió esa noche también su segunda categoría, la de mejor banda sonora. No obstante, The Muppets Movie quedó como doble nominada. Algo por lo que nadie habría apostado si pensaran en un film infantil lleno de animales de felpa.

El Gran Golpe de los Teleñecos (The Great Muppet Caper, 1981)

La rompedora idea del primer film había sido sobradamente exitosa. Henson y su pandilla habían alcanzado los 65 millones de dólares en la taquilla doméstica. Lo que hoy se traduciría, al calcular según inflación, en una cifra superior a los 200 kilos. El creativo había logrado atraer hacia su idea a pequeños y mayores, pero dos años después su deseo era hacer algo nuevo para la secuela. Si algo odiaba Henson era venderse y repetirse, así que creó desde las cenizas un producto completamente distintivo. Todo lo que tenía que mantener era el corazón y el alma que había insuflado a sus muñecos, que mostraban comportamientos humanos y cuyos sentimientos hacían que nos olvidáramos de las personas que las controlaban fuera de plano. Su interpretación era más creíble -y tenía más expresión- que la de muchos actores de carne y hueso de los 80, y los guiones eran tan divertidos y dinámicos como los de las mejores películas de aventuras de esta década marcada por el entretenimiento puro y duro. Los Teleñecos además se convirtieron en una pieza indispensable para entender la revolución que la comedia vivía esos años, gracias a la primera escuela de Saturday Night Live (donde las criaturas de Henson tuvieron un rol regular), el éxito de Ivan Reitman, Landis y Mel Brooks y los primeros pasos de David Letterman.

Jim Henson se sentaba esta vez en la silla de director para convertir a sus creaciones en un trío de periodistas perdidos en Londres -donde se había rodado El famoso Show- para resolver un misterioso robo. Allí se entrecruzaría una complicada historia de amor y la creciente locura habitual de la mano de un grupo cada vez más multitudinario. Gustavo y Peggy eran protagonistas, pero Gonzo, Fozzie, Statler y Waldorf (los viejos del palco) y la banda The Electrick Mayhem cada vez eran más indispensables. Cada uno tenía su personalidad y aportaba una pieza al universo Muppet. Las canciones seguían siendo componente fundamental, sobre todo la sonata introductoria que, saltándose la cuarta pared, presentaba a los personajes al público -como en los grandes musicales del Hollywood clásico- y a la pegajosa The First Time It Happens, que volvió a clasificarse para los Oscars con su presentación reminiscente de otros grandes números de antaño. Tampoco podemos olvidarnos de cameos tan notables como los de John Cleese, Peter Ustinov, Peter Falk (el mítico Colombo poniéndose muy meta) y Jack Warden. De la mano de chistes recurrentes como el de confundir a los gemelos Gustavo y Fozzie, ésta es posiblemente la cinta de los Teleñecos más redonda de todas.

Los Teleñecos conquistan Manhattan (The Muppets Take Manhattan, 1983)

La primera fue una road-movie. La segunda, algo cercano al género heist. A favor de la variedad, y demostrando que se podía hacer casi cualquier cosa con personajes de felpa, Frank Oz recuperó para el final de la trilogía original sus mejores baza, el humor y las canciones, para crear una comedia musical sobre el mundo del espectáculo con una pizquita de romanticismo. El responsable de ceder sus cuerdas vocales a Peggy, Animal y Fozzie se presentaba así como un director a tener en cuenta en Hollywood, donde, más allá de los Teleñecos, acabaría poseyendo un nombre por sus propios triunfos en la gran pantalla (incluso como doblador de Yoda).

Tan vital, absurdos y rápidos como siempre, Los Teleñecos se gradúan en la universidad para saltar directos a Nueva York, donde completar sus sueños y llegar hasta Broadway. Además de incluir una guinda del pastel con formado de boda que cierra de manera magistral la impoluta trilogía -y a la que se hará referencia en la nueva cinta-, los personajes se rodean, por supuesto, con los habituales cameos, y con la casi obligatoria nominación al Oscar por su banda sonora. Por las pantallas pasearon esta vez Joan Rivers, Liza Minnelli, Gregory Hines, Elliott Gould, una jovencísima Brooke Shields, el alcalde de Nueva York Ed Koch y un John Landis de regreso a sus orígenes.

Demasiado pronto, en 1990, Jim Henson murió, y, pese a conducir variados especiales, nunca volvió a llevar a Los Teleñecos a la gran pantalla. En este tiempo, patrocinó pequeñas grandes joyas como las ya mencionadas Dentro del Laberinto, Fraggle Rock y El Cuentacuentos, y dejó el germen para la sitcom prehistórica Dinosaurios. Uno de los recuerdos más geniales: el sentido homenaje de sus compañeros en su funeral. Esperemos que algún día, Hollywood se atreva a trasladar el aplaudido libreto sobre su vida a la gran pantalla.

Henson, sobre todo, dejó atrás un legado infinito que, pese a tener sus altibajos durante las décadas subsecuentes, repasaremos en la próxima entrega de este especial que se anticipa al esperado estreno de Los Muppets, que vendrá de la mano de un grupo que creció con el sentido del humor del talentoso genio. Sin gota de CGI, y con la calidad de la felpa, el 4 de febrero Los Teleñecos (digo… Muppets) vuelven a aterrizar en nuestras pantallas.

(Continuará…)

El cuervo es una de esas películas envueltas por las leyendas de Hollywood. La muerte accidental en el rodaje de Brandon Lee en extrañas circunstancias, y sobre todo los problemas para terminar la película a medio rodar, supone incluirla en esa lista de películas de culto. Su nombre perdura, pero sus secuelas no han hecho otra cosa que ensuciar su legado.

Hace bastante tiempo que los dueños de los derechos de la película pretenden llevar al cine un reboot por todo lo alto, pero nada más comenzar a planearlo ya surgieron los problemas. Relativity Media y The Weinstein Company se enzarzaron en una pelea judicial que afortunadamente ha terminado en acuerdo, por lo que la película tiene luz verde y ya se comentan los primeros detalles.

Por un lado, la noticia más interesante es conocer el nombre tanto del director como del guionista de la misma. En la realización tenemos una sorpresa, la batuta la llevará el cordobés F. Javier Gutiérrez, un director que ha triunfado en muchos festivales de cine con su aclamada Tres días. Esta contratación no es casual, ya que también está trabajando para Weinstein dirigiendo The Greys.

Del guión, que seguirá la estela de la película original, se encargará el desconocido Jesse Wigutow. La trama devolverá al cine a un personaje tan icónico como Eric Draven, que volverá de la tumba para vengar la muerte de su esposa.

Vía | WP

Tanto Kate Winslet como Catherine Keener han tenido la oportunidad de probar los imaginativos guiones de ese loco bajito llamado Charlie Kaufman. El trabajo de la primera con el escritor en Eternal Sunshine of the Spotless Mind (no me rebajaré a pronunciar ¡Olvídate de Mí!) bien le valió una nominación al Oscar, mientras que la musa del cine independiente, que también se llevó nominación por Cómo Ser John Malkovich, se ha convertido casi en una regular de sus producciones, habiendo participado en un cameo de Adaptation y en un secundario de Synecdoche, New York, debut de Kaufman en la dirección. Por eso, no es extraño que ambas confíen en el nuevo y alocado proyecto del original escritor, el musical cómico y enrevesado Frank or Francis.

Las actrices se unen a un reparto formado, hasta el momento, por Jack Black, Steve Carell, Kevin Kline -con varios roles- y Nicolas Cage, para el que Kaufman en su día también logró una nominación de la Academia. Podría costar volver a narrar el argumento, aunque suponemos que Winslet y Keener protagonizarán las fundamentales y atípicas historias de amor de la cinta. Una de ellas, presentada como una camarera rumana.

Los premios de la Academia, por cierto, son parte fundamental de la trama. Carell se convertirá en Frank Arder, un pretencioso director y guionista cuya última película, You, se convierte en una sensación, recibiendo 29 nominaciones. Black será Francis, un blogger perdedor y muy seguro de sí mismo que vive en el ático de sus padres; y Cage dará vida a Alan Modell, cómico mundialmente conocido por sus papeles en la idiótica Fat Dad elegido para presentar los Oscars. Si al final el film llegara a la prestigiosa gala con alguna mención, el mensaje sería todavía más meta. Aunque su debut en la dirección no recibiera el aplauso de la Academia, por ser demasiado extraña (y genial) incluso para Kaufman, el guionista tiene una estatuilla y otras dos nominaciones bajo su manto.

Más de la mitad de los diálogos de la cinta serán, además, cantados. ¿Podrá cantar Winslet? Winslet es capaz de todo, y lo demostraremos en breve en nuestra (nada) regular sección Actores ¿Cantantes? La reciente ganadora del Globo de Oro (premiada por la cinematográfica serie Mildred Pierce) no para de acumular proyectos interesantes. Tras estrenar dos cintas el pasado año, en 2012 tendrá que lidiar también con Labor Day de Jason Reitman y The Guernsey Literary And Potato Peel Pie Society de Kenneth Branagh.

Vía | Vulture

Quizás porque su romántica historia de amor imposible es la que más resuena con el público generalista, Romeo y Julieta es muy probablemente la obra de William Shakespeare más adaptada a la gran pantalla. Según IMDB su primer film data de la primera década del siglo XX, y en 2011, por ejemplo, pudimos ver la animada versión con Gnomos de Jardín Gnomeo y Julieta. De manera mucho más clásica, se presenta la que esperamos en 2012, un drama con abundancia de caras jóvenes y guiones del veterano Julian Fellowes, oscarizado por Gosford Park y aplaudido por la serie Downton Abbey, pero responsable también del libreto de la infame The Tourist.

El italiano Carlo Carlei se sentará en la silla de director para llevar las riendas de los nuevos enamorados, Capuletos y Montescos, con los rostros esta vez Hailee Steinfeld (Valor de Ley) y el londinense Douglas Booth (Los Pilares de la Tierra). Paul Giamatti tendrá el pequeño, pero muy importante, rol de Fray Lorenzo. Ed Westwick (conocido por Gossip Girl) será Teobaldo Capuleto, mientras que el joven australiano Kodi Smit-McPhee (descorazonador en The Road) dará vida a Benvolio Montesco. Otro inglés, Christian Cooke (Cruce de Caminos) se pondrá en la piel de Mercurio y, todavía con varios roles por rellenar, veremos a Lesley Manville (Another Year) como La Enfermera.

Tan poco se sabe del proyecto, que el rodaje parece haber comenzado esta semana en Roma sin que nadie se enterara. O eso se entiende al menos de los twitters de Steinfeld y Smith-McPhee.

Vía | The Playlist

Cuando comencé a oír hablar de la nueva película de Clint Eastwood y visioné los primeros tráilers, de inmediato me vino a la mente que parecía una película predestinada a ser clara favorita a los Oscar y que Leonardo Dicaprio optaría por fin muy seriamente al premio a mejor actor principal. J.Edgar lo tenía todo, un director muy querido por la academia, un biopic clásico y clasicista, una historia genuinamente americana y un actor realizando un titánico esfuerzo tanto interpretativo como de caracterización. Lo dicho, un filme del gusto de la academia.

Sin embargo al bueno de Clint le han ninguneado esta vez y a Leonardo Dicaprio le han ninguneado como siempre. Llama bastante la atención el caso de este último, un actor que a mi juicio goza de un gran talento y que, a pesar de sus constantes esfuerzos por desprenderse de las etiquetas de mero maniquí de su juventud, El aviador, Shutter Island, Infiltrados, Origen… no consigue el reconocimiento como intérprete que merece, tal vez lastrado de por vida por su papel en Titanic. En lo referente a Clint Eastwood, por lo visto las malas críticas recibidas en su país, que han tachado la película de aburrida y sin ritmo, además de mofarse de los kilos de látex y pelucones utilizados, han influido para dejar J.Edgar fuera de cualquier nominación.

Otros nombres propios que se han quedado extrañamente fuera de la carrera por la preciada estatuilla son los de Roman Polanski, Kate Winslet, Albert Brooks, Michael Fassbender o Tilda Swinton. Otro caso flagrante es el de la estupenda Melancolía aunque su director Lars Von Trier se ha ganado a pulso ser declarado persona non grata para la academia. Tampoco ha obtenido ninguna mención Tintín y el secreto del unicornio quizás porque los responsables de los premios no se decidieron a colocarla en la categoría de animación.

Como siempre, en la dilatada vida de los Oscar, existen injusticias, decisiones acertadas y gratas sorpresas, lo que ocurre es que a menudo dichas injusticias chirrían demasiado. Ejemplo y prueba de ello es que Sandra Bullock tiene un galardón y Greta Garbo ninguno.

Resacón en Las Vegas fue un éxito sin paragón en el verano de 2009. Su producción costó alrededor de 35 millones de dólares, y cada uno de sus tres protagonistas recibió un salario por debajo del millón. La segunda entrega tampoco salió demasiado cara, tras lograr la luz verde antes del estreno y que sus protagonistas fueran lanzados como estrellas a la estratosfera. Bradley Cooper, Zach Galifianakis y Ed Helms hicieron esta vez cinco millones más compensaciones posteriores. Unas destacables ganancias no demasiado importante si se compara con los 581m de dólares que la cinta ha amasado en su acumulado mundial. La idea de una tercera entrega era algo que sabíamos que iba a llegar.

Warner negocia ahora con el trío protagonista, que se enfrenta conjuntamente pidiendo 15 millones de dólares para cada uno. Si las negociaciones continúan por el buen camino, parece que la productora se los concederá. Además, para esta ocasión ni siquiera tendrán que preocuparse por gastarse un centavo en el guión. Simplemente habrá que trasladar el libreto de la primera entrega a otro espacio sin concretar, volver a traer a Ken Jeong y Mike Tyson de la manera más alocada y sustituir al tigre (o al mono) por un nuevo animal exótico.

El director Todd Phillips y el guionista Craig Mazin estarán de vuelta para viajar esta vez hasta Los Ángeles y Warner pretende estrenar tan pronto como el Día de los Caídos de 2013, en mayo. Por lo que la productora ha metido el motor en el proyecto. Su objetivo: obtener otro éxito seguro, pero, en esta ocasión, contando con la decepcionada audiencia de la última secuela. Esperaremos para ver si puede hacer algo original y nuevo, sin repetir esa fórmula quemada tras dos únicos intentos.

Vía | The Hollywood Reporter

Todavía con resaca de las nominaciones a los Oscars, continuamos con nuestro especial repaso a todas las candidaturas, que, como siempre, incluyen sorpresas, menciones esperadas y bastantes olvidos injustos.

De vuelta a mejor actriz secundaria (donde nos habíamos quedado), Chastain será posiblemente eclipsada por Octavia Davis, arrebatadora en su papel aunque, en mi humilde opinión, superada por la primera. Esta separación de votos se ha convertido en algo habitual de los últimos años. Un hecho que dificulta las cosas para las compañeras de reparto, siempre que no seas Melissa Leo. Por ello, no descarten todavía de la competición a la cómica Melissa McCarthy (La Boda de mi Mejor Amiga), que consigue que la comedia más gamberra se una a la fiesta; ni a Bérénice Bejo, empujada por el quizás desmedido interés de los premios por The Artist.

Metiéndonos en los pantanos de la animación, y a los premios patrios, no podemos dejar de destacar a Chico y Rita de Fernando Trueba y Mariscal. Se llevan por delante a la mastodóntica Tintín, cuya baja recaudación en EEUU no ha sido favorable para darse a conocer. Es también una categoría extraña dado que no entra en juego Pixar, que tiene que conformarse con Mejor Corto animado para La Luna. Cars 2 no se merecía un puesto aquí.

Trueba tiene incluso a su amigo Carlinhos Brown en la categoría de mejor canción, donde compite representando a Río, otra cinta animada olvidada. Especialmente destacable en esta categoría es que solo hay dos competidoras (el mínimo). Junto a los brasileños se encuentra la hilarante y pegadiza Man or Muppet de Los Muppets, compuesta por Bret McKenzie de The Flight of the Conchords. Los Teleñecos tienen una larga historia colándose en esta categoría (os hablaremos de ella dentro de unos días), pero se esperaba que lograra hasta tres nominaciones. La cinta, curiosamente, es una de las que mejores recibidas por la crítica en todo el año. El resto de sus canciones son igual de geniales. Es increíble que en un año donde Elton John, Mary J. Bigle, Glenn Close y Madonna han escrito e interpretado canciones para cine, ninguno vaya a poder cantar en la gala. Girando la mirada hacia las bandas sonoras, el ya repetitivo John Williams obtiene sus nominaciones número 41 y 42 -ambas gracias a Spielberg- y pisa los talones a Alfred Newman, que murió con el récord de 43 bajo su manto.

En el panorama internacional, éste ha sido el año de Francia. Por supuesto, The Artist recoge varios candidatos para el país vecinos, pero también en el hueco de la animación Une vie de chat ha sido destacada, como la independiente a enfrentarse a Trueba. Tampoco molesta que París sean nombrado tantas veces por Woody Allen (directores de arte franceses incluidos), que deja parte de los aplausos en España gracias a Mediapro. La categoría de lengua extranjera, por su parte, es bastante variada en esta ocasión, aunque la iraní Nader y Simin, una separación tiene al calvo casi en la puerta de casa.

Acompañando a esta serie de cintas bien recibidas, Tan Fuerte, tan cerca se afianza como la nominada a Mejor Película con peores críticas en los últimos diez años (según Rottentomatoes). Un dudoso honor que vuelve a certificar la pasión de los Oscars por seguir un patrón. Stephen Daldry + Tom Hanks + Sandra Bullock, son la clave. Extremely Loud and Extremely Closely es uno de estos melodramas extremadamente sensibleros por los que la Academia bebe los vientos, y que no dejan espacio para trabajos más personales y obras de géneros aplaudidas por crítica y público. Por supuesto, una buena distribución y campaña de mano de Harvey Weinstein (casi más presente en los medios que sus actores y cineastas) o, en este caso, Scott Rudin es indispensable. Sabemos que es un juego, y que en realidad no se premia a las mejores películas del año. No obstante, a veces nos gustaría que se disimulara mejor.

Un caso claro de esta injusticia es Margin Call. Pese a que no haya sido vista por mucha gente, es el momento de reclamar este thriller sobre la crisis económica, una de las mejores cintas del año. Su variado y excelente reparto, con caras como Kevin Spacey, Jeremy Irons y Demi Moore, podría ser destacado en cualquiera de las categorías, y, sin embargo, no se ha hecho oír, por lo que ni siquiera ha entrado en la carrera. Su guion, al menos, sí ha recibido una destacada mención. Lo mismo ocurre con la película “demasiado adulta para el Oscar” Shame.

En cuanto a otros olvidos distendidos, no podemos olvidarnos a Drive, que obtiene una mención muy menor en las mezclas de sonido. Que Transformers 3, por muy excelente que sea técnicamente, obtenga tres nominaciones y que Nicolas Winding-Refn y su equipo queden, por el contrario, completamente fuera, no tiene explicación alguna. Por no hablar del incombustible Ryan Gosling. Nos remontamos así al mismo problema de siempre: lo conservador de una Academia formada mayoritariamente por jubilados. Lo mismo se aplica a El Origen de El Planeta de los Simios (que obtiene un nombramiento) y el experto en motion-captura Andy Serkis, que competía como Mejor actor secundario. Así como a muchas cintas obviadas a lo largo de la historia.

Pronto, más y mejor. Quinielas, análisis y más curiosidades en la carrera a los Oscars. En todo caso, entre tanto comenzad viendo este vídeo promocional de Funny or Die, con Megan Fox, Vinnie Jones, William Fitchner, Robin Williams, Josh Duhamel y el recuperado Billy Crystal:

En Cinetelia | Análisis de las nominaciones a los Oscars 2012 (I), a Hollywood le gusta hablar de sí mismo

Para el público, las películas sobre Hollywood siguen sin ser una razón por la que ir a las salas en tropel. Con una media de edad de más de sesenta años, los miembros de la Academia, sin embargo, vuelven a demostrar en las octogésimo-cuartas nominaciones a los Oscars que le gusta mirarse el ombligo, que su pasado puede dar grandes argumentos. Por eso no es del todo sorprendente que La invención de Hugo, carta de amor de Martin Scorsese a las antípodas del cine, a la conservación del cine y a Georges Méliès, se levante con 11 menciones, engordadas por las categorías técnicas. Muy de cerca, con 10, y arrasando en los grupos más importantes, se encuentra, The Artist, otra cinta que nos envuelve por completo en una cinta digna de principios de siglo, XX.

Estos dos caballos ganadores, además, son elecciones bastante curiosas y no demasiado habituales. Como ya anticipábamos en nuestro repaso a la lucha del cine mudo, la cinta francesa es la primera obra muda que consigue clasificarse desde 1929, cuando El Patriota de Ernst Lubitsch llegó hasta la ceremonia. Wings es la única ‘película no-hablada’ que obtuvo la estatuilla, y eso fue en la primera edición, cuando el cine mudo daba sus últimos coletazos. Esa misma noche aparecían también como finalistas La Trampa y El Séptimo Cielo. Eso suma únicamente cuatro películas predominantemente mudas. Hasta ahora.

De técnicas antiguas a modernas, Hugo se presenta como el cuarto film en 3D en llegar hasta mejor película, después de Avatar, Up y Toy Story 3. ¿Podría ser la primera en ganar? No apostamos por ello, pero Scorsese tiene posibilidades de salir a escena como cineasta por, aunque parezca curioso, su primer film infantil. Un cineasta personal de primera línea reinventándose.

Haciendo números con el resto de nombres, pero de manera bastante lejana, aparecen Moneyball: Rompiendo las reglas y Caballo de Batalla con seis nominaciones cada una. Con esta última, además, Kathleen Kennedy y Steven Spielberg alcanzan el récord de productores con más nominaciones en la categoría Mejor Película. Una de cal y una de arena para ellos, el día que Tintín ha sido injustamente olvidada en el gueto de la animación. Con cinco nombramientos se alzan Los Descendientes de Alexander Payne y Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres de David Fincher. Ambos esperados competidores -el primero se hizo con el Globo de Oro el domingo-, como lo eran Criadas y Señoras y Midnight in Paris, mencionadas hasta en cuatro ocasiones. La última, incluso pone en la carrera de mejor director a Woody Allen, 17 años después. Allen extiende su poder sobre la categoría de guion, donde llega a la cifra de récord de 15. No gana desde hace 25 años, y Hannah y sus hermanas.

En general, es una lucha de triunfantes regresos. Scorsese atesora su séptima nominación como director; Glenn Close regresa tras veinticinco años para sumar una sexta nominación (y ninguna victoria); su compañera Janet McTeer ha tenido que esperar 13 años; mientras, Meryl Streep extiende su imbatible récord. Asimismo, la última vez que la Academia hizo un guiño a Kenneth Branagh fue hace 22 años con Enrique V, y Nick Nolte no peleaba por un Oscar desde hace 13 años. Ambos compiten en la categoría de Christopher Plummer, que con 82 años está en el mejor momento de su carrera. También actores secundarios son el primerizos Jonah Hill (sorprendente) y Max Von Sydow, otro que con 82 años que ha tenido que esperar dos décadas para su segunda mención. Albert Brooks (Drive), al contrario, no ha podido regresar, aún y cuando protagonizaba uno de estos regresos memorables que tanto gustan a Hollywood.

Novato pero merecedor es también Gary Oldman, cuyo magistral currículum necesitaba este honor antes o después. Frente a él, un elenco internacional y con muchas estrellas. El mejicano Demián Bichir da la sorpresa y consigue lo que ya logró en los premios del Sindicado de Actores; y Jean Dujardin será la estrella que ose enfrentarse al Olimpo coleguil de Hollywood, formado por George Clooney (también nominado como guionista) y Brad Pitt. A alguien habrá que echar la culpa por haber dejado fuera a un demasiado maquillado Leonardo DiCaprio (al que la Academia se la ha jugado ya en varias ocasiones), y al comedido Michael Fassbender, al que habría que premiar aunque fuera únicamente por todo lo que le hemos visto en el cine durante este último año.

La estrategia de la omnipresencia ha servido, en cambio, a Jessica Chastain, que opta a mejor secundaria por Criadas y Señoras. Escuchad mis palabras: esta adorable y polivalente actriz va a ser la nueva Streep. Chastain, además, estará celebrando con Pitt que El Árbol de la Vida haya dado el campanazo, clasificándose en tres categorías clave. Terrence Malick se unirá a Woody Allen en la categoría de directores ausentes -por principios- a los que amamos.

Seguiremos con este extenso repaso en nuestro próximo post, donde repasaremos la animación, la música y los vergonzosos olvidos habituales año tras año.

(Continuará…)

En Cinetelia | Análisis de las nominaciones a los Oscars 2012 (II)

Todos conocemos esa frase tan trillada que dice que los Globos de oro son la antesala de los Óscar. Bien, pues si aplicamos ese mismo término a nuestro cine, la antesala de los Goya serían los premios Forqué entregados anoche. Premios en los que el film No habrá paz para los malvados se llevó el galardón a la mejor película y su protagonista José Coronado el de mejor actor. De esta manera la cinta dirigida por Enrique Urbizu se afianza como clara favorita para los Goya en detrimento de su principal rival, La piel que habito que sólo consiguió el premio, para mí merecidísimo, a mejor actriz en las manos de Elena Anaya.

Estos premios los otorga EGEDA, entidad de gestión de derechos de los productores desde 1996 y están dotados de una cantidad económica para el ganador o los ganadores. En la gala celebrada anoche se tuvo muy presente en los discursos el daño que la piratería hace en nuestro cine y se abogó por soluciones ante la eterna crisis del cine español, con la presencia y discurso incluido del nuevo ministro de cultura, José Ignacio Wert. Otro de los triunfadores de la noche fue Fernando Trueba y por partida doble ya que al premio a mejor documental o filme de animación por Chico y Rita le sumó la medalla de oro por toda su carrera como productor. Por lo visto el bueno de Trueba está en un momento muy dulce, hoy hemos conocido la nominación de Chico Y Rita al Óscar como mejor película de animación.

Entre los que se fueron con las manos vacías cabe destacar en la categoría de mejor película las cintas La voz dormida, Primos, Balada triste de trompeta y la mencionada La piel que habito, mientras que en interpretación salieron derrotados Luis Tossar por Mientras duermes Y Javier Bardem por Biutiful en categoría masculina, así como Pilar López de Ayala por Medianeras y María León por La voz dormida.

A pesar de que en estos premios las películas y los interpretes no coinciden en su totalidad con las nominaciones a los Goya, sí que merecen ser tenidos en cuenta como pulsómetro de cara a lo que vaya a acontecer en la gala de la academia. En este sentido parece que el duelo entre Enrique urbizu y Pedro Almodóvar parece empezar a decantarse por el primero, sin embargo nada está dicho todavía y yo sigo pensando que habrá sorpresas.

Vía | El país

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Casi como colofón a la dilatada carrera de premios, la mañana estadounidense se despierta con las nominaciones a la octogésimo-cuarta ceremonia de los Oscars, presentadas por la joven nominada Jennifer Lawrence y el presidente de la Academia Tom Sherak. Todavía tendremos que esperar hasta el 26 de febrero para saber si Billy Crystal sigue teniendo carisma para sobrellevar la inacabable gala y para comprobar si nuestras quinielas se han cumplido.

Como era esperado, The Artist (10) ha acaparado las nominaciones, pero sin dejar de lado alguna sorpresa habitual. La invención de Hugo es, sin embargo, la que más menciones se lleva con 11, sobre todo por las técnicas, donde ha arrasado. En la categoría de mejor película, este año han entrado nueve finalistas, según las últimas normas de la Academia (que anticipaban que elegirían entre cinco y diez menciones, dando más emoción a la carrera). Desde España, hay que congratular a Fernando Trueba y Mariscal, que ha llegado a la categoría animada con su Chico y Rita, pese a que por delante se haya llevado a Tintín, ganadora de los Globos de Oro. Alberto Iglesias, por supuesto, tampoco ha sido olvidado. Otra de las sorpresas es el mejicano Demián Bichir, que ha hecho también sonar la campana, en una categoría que deja atrás a los muy notables Michael Fassbender y Leonardo DiCaprio, que aparecían en todas las quinielas. Aunque si hay una categoría sorprendente, ésa es la de actor secundario, con los nombres de Jonah Hill y Nick Nolte enfrentándose a la carrera de Christopher Plummer. En cuanto a los directores parece que habrá dos asientos vacíos en el teatro, gracias al reconocimiento de los veteranos Woody Allen y Terrence Malick. A continuación tenéis el listado completo de finalistas, y en breve un análisis más profundo sobre las sorpresas, posibilidades y olvidos del evento, entre otras curiosidades.

Mejor Película
El Árbol de la Vida
The Artist
Criadas y Señoras
Los Descendientes
Tan Fuerte, Tan Cerca
La invención de Hugo
Midnight in Paris
Moneyball: Rompiendo las reglas
Caballo de Batalla

Mejor Director
Woody Allen – Midnight in Paris
Michel Hazanavicius – The Artist (2011)
Terrence Malick – El Árbol de la Vida
Alexander Payne – Los Descendientes
Martin Scorsese – La invención de Hugo

Mejor Actor Protagonista
Demián Bichir – A Better Life
George Clooney – Los Descendientes
Jean Dujardin – The Artist
Gary Oldman – El Topo
Brad Pitt – Moneyball: Rompiendo las reglas

Mejor Actriz Protagonista
Glenn Close – Albert Nobbs
Viola Davis – Criadas y Señoras
Meryl Streep – La Dama de Hierro
Rooney Mara – Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres
Michelle Williams – My Week with Marilyn

Mejor Actor Secundario
Kenneth Branagh – My Week with Marilyn
Jonah Hill – Moneyball: Rompiendo las reglas
Nick Nolte – Warrior
Christopher Plummer – Beginners (Principiantes)
Max von Sydow – Tan Fuerte, Tan Cerca

Mejor Actriz Secundaria
Bérénice Bejo – The Artist
Jessica Chastain – Criadas y Señoras
Melissa McCarthy – La Boda de mi Mejor Amiga
Janet McTeer – Albert Nobbs
Octavia Spencer – Criadas y Señoras

Mejor Guion Original
The Artist: Michel Hazanavicius
La Boda de mi Mejor Amiga: Kristen Wiig, Annie Mumolo
Margin Call: J.C. Chandor
Midnight in Paris: Woody Allen
Nader y Simin, una separación: Asghar Farhadi

Mejor Guion Adaptado
Los Descendientes – Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash
La invención de Hugo – John Logan
Los Idús de Marzo – George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
Moneyball – Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin
El Topo – Bridget O’Connor, Peter Straughan

Mejor Película de Habla no Inglesa
Rundskop – Michael R. Roskam (Bélgica)
Hearat Shulayim – Joseph Cedar (Israel)
In Darkness – Agnieszka Holland (Polonia)
Monsieur Lazhar -Philippe Falardeau (Canadá)
Nader y Simin, Una separación – Asghar Farhadi (Irán)

Mejor Película Animada
Une vie de chat
Chico y Rita
Kung Fu Panda 2
El Gato con Botas
Rango

Mejor Documental
Hell and Back Again
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
Paradise Lost 3: Purgatory
Pina
Undefeated

Mejor Banda Sonora Original
Las Aventuras de Tintin – John Williams
The Artist – Ludovic Bource
La invención de Hugo – Howard Shore
El Topo – Alberto Iglesias
Caballo de Batalla John Williams

Mejor Canción Original
Los Muppets – Bret McKenzie (“Man or Muppet“)
Rio – Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett (“Real in Rio“)

Mejor Cortometraje de Acción Real
Pentecost – Peter McDonald
Raju – Max Zähle, Stefan Gieren
The Shore – Terry George
Time Freak – Andrew Bowler, Gigi Causey
Tuba Atlantic – Hallvar Witzø

Mejor Cortometraje Animado
Dimanche – Patrick Doyon
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore – William Joyce, Brandon Oldenburg
La Luna – Enrico Casarosa
A Morning Stroll – Grant Orchard, Sue Goffe
Wild Life – Amanda Forbis, Wendy Tilby

Mejor Cortometraje Documental
The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement
God Is the Bigger Elvis
Incident in New Baghdad
Saving Face
The Tsunami and the Cherry Blossom

Mejores Efectos Especiales
Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2
La invención de Hugo
Acero Puro
El Origen del Planeta de los Simios
Transformers 3: El lado oscuro de la Luna

Mejor Dirección Artística
The Artist – Laurence Bennett, Gregory S. Hooper
Harry Potter y las reliquias de la muerte: Part 2 – Stuart Craig, Stephenie McMillan
La invención de Hugo – Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo
Midnight in Paris – Anne Seibel, Hélène Dubreuil
Caballo de Batalla – Rick Carter, Lee Sandales

Mejor Fotografía
The Artist – Guillaume Schiffman
Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres – Jeff Cronenweth
La invención de Hugo -Robert Richardson
El Árbol de la Vida – Emmanuel Lubezki
Caballo de Batalla – Janusz Kaminski

Mejor Maquillaje
Albert Nobbs
Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2
La Dama de Hierro

Mejor Diseño de Vestuario
Anonymous – Lisy Christl
The Artist – Mark Bridges
La invención de Hugo – Sandy Powell
Jane Eyre – Michael O’Connor
W.E. – Arianne Phillips

Mejor Montaje
The Artist – Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius
Los descendientes – Kevin Tent
Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres – Angus Wall, Kirk Baxter
La invención de Hugo – Thelma Schoonmaker
Moneyball – Christopher Tellefser

Mejor Mezcla de Sonido
Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres
La invención de Hugo
Moneyball
Transformers 3: El lado oscuro de la Luna
Caballo de Batalla

Mejor Edición de Sonido
Drive
Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres
La invención de Hugo
Transformers 3: El lado oscuro de la Luna
Caballo de Batalla

Reconocidos por los extravagantes y personales cuadros de niños con grandes ojos, el matrimonio Keane tiene una de las historias más curiosas y extrafalarias del mundo del arte contemporáneo. Por eso no es extraño, que Hollywood haya mostrado interés en su particular combate. La pareja protagonista tendrá los rostros de guapos como Reese Witherspoon y Ryan Reynolds, dúo de carismáticos personajes enfrentados en una lucha mediática. Detrás de las cámaras de Big Eyes encontramos a Scott Alexander y Larry Karaszewski, guionistas y directores apadrinados por la producción de Tim Burton, que parece ideal para este tipo de relato casi macabro sobre el arte pop.

En los años 50, Walter Keane se convirtió en toda una celebridad gracias a la popularidad de sus pinturas, comercializadas en masa por cifras irrisorias incluso en gasolineras. Sin embargo, tras un largo tiempo de trabajo en la sombra de su garaje, su esposa, Margaret, abrió la caja de los truenos al hacer público que ella era la verdadera autora. Esta lucha por los derechos acabó en divorcio y en un largo litigio en los tribunales, donde ambos reclamaban la autoría. El juez lanzó un reto a las dos partes: pintar una de sus famosos rostros frente a frente. El combate terminó con el marido retractándose, y justificándose con una contusión en el hombro.

Como experimentados guionistas, Alexander y Karaszewski tienen sobrada experiencia en crear biopics sobre anti-héroes asombrosos. En 1994 tomaron las riendas del brillante Ed Wood de Tim Burton, a lo que seguiría El escándalo de Larry Flynt y la infravalorada Man on the Moon, sobre la figura del genial cómico experimental Andy Kaufman. Junto a Burton, además, prepapran una nueva versión de La familia Addams, aunque éste último proyecto suena más interesante y jugoso.

Vía | Collider

Tras décadas de carrera es casi increíble que dos actores contemporáneos tan destacados como Diane Keaton y Kevin Kline nunca se hayan cruzado en la gran pantalla. Pero como se suele decir en estos casos, nunca es tarde si la dicha es buena. Con más de sesenta años a sus espaldas el veterano Lawrence Kasdan ha decidido juntarlos, por fin, en su último proyecto, Darling Companion, donde se convierten en un longevo matrimonio.

Rodeados por un excelso elenco compuesto por Elisabeth Moss (Mad Men), Mark Duplass (respetado director de comedias independientes por sí mismo), Richard Jenkins, Dianne Wiest, Sam Shepard y Ayelet Zurer (Ángeles y Demonios), la acción comienza cuando el perro de la pareja desaparece. Una experiencia que, aunque parezca mentira, les hará replantearse sus años de relación y convivencia.

Además de demostrar que, pese a que no se prodigen demasiado, ambos siguen estando en plena forma, el tráiler parece no acabar de capturar el tono que la cinta quiere vender. Kasdan, que ha escrito el libreto junto a su esposa Meg Kasdan, parece querer imprimir cierto tono adulto a este drama romántico sensiblero y con toques cómicos. El director tampoco se deja ver mucho en el cine y su carrera es tan ecléctica como irregular, siendo su último proyecto El Cazador de Sueños en 2003. Antes, los Oscars hicieron algún guiño a sus vitales y maduros guiones de Reencuentro, El turista accidental y Grand Canyon. La amistad y las relaciones humanas siempre ha sido el punto focal de su trabajo, como vuelve a demostrar este avance. Junto a su compañero Kline ha trabajado hasta en cinco ocasiones.

Vía | Collider

La película ganadora del Globo de Oro a Mejor película cómica no solo es muda por un capricho de su director, Michel Hazanavicius. The Artist vive del silencio. Su argumento, por supuesto, se centra en la caída en desgracia de una egocéntrica estrella del cine mudo, sustituido por la nueva cara femenina de los talkies, al que él mismo lanzó a la fama. Distantes, fríos y opuestos, el silencio define los sentimientos de esta relación romántica que ninguno se atreve a digerir ni a enfrentar.

Una estrella veterana, y una promesa en ciernes. El final del cine mudo, y los problemas de la fama. Hablamos de The Artist, pero también hablamos sin querer de Cantando bajo la lluvia. Años después de que Charles Chaplin presentara su alegato contra los talkies, Hollywood decidió tomarse el pasado a broma, y encargaron a Stanley Donen y Gene Kelly, reyes de la época dorada del musical, una mirada amable y absorbente a los instantáneos cambios que la meca del cine había digerido veinte años atrás.

Una obra eterna como pocas, Singin’ in the Rain se ha convertido en uno de los musicales que mejor ha aguantado el paso del tiempo (difícil reto para el género). The Artist demuestra que la simpleza de su argumento sigue estando tan viva como el primer día. Al igual que en esta última, el personaje de Kelly, Don Lockwood, es salvado de la quema y reciclado para habituarse a los “buenos” nuevos tiempos. Ese rara avis: la estrella muda superviviente en la marea de cambio. A su habitual co-protagonista, sin embargo, le toca bailar con la más fea. Lina Lamont (Jean Hagen) no tiene los requisitos esenciales para el nuevo mundo. Nadie podría triunfar con su voz de pito, su acento sureño y su ineptitud en general en un mundo que ahora quiere oír a sus ídolos:

Su personaje, jovial y divertido, pronto se convierte en el hazmerreír del espectador, y no es para menos, pues detrás, cantando sus canciones a lo Milli Vanilli, tiene a la bella y joven Debbie Reynolds (que, curiosamente, en la versión real era doblada de manera doble por Betty Noyes en las canciones, y por la propia Hagen en diálogos del film dentro del film). Su rol bien se mereció una nominación al Oscar, pero en la realidad la caída en desgracia de las estrellas del mudo no había sido tan divertida como aparentaba.

Ese lado oscuro es el que se esforzaba en mostrar Billy Wilder un par de años antes en la tragicomedia El crepúsculo de los Dioses (Sunset Blvd.). Uno de los mejores dialoguistas de la historia del cine, hablando sobre el cine sin sonido. La estrella muda no es esta vez una pantomima, ni siquiera alguien dejado atrás por su falta de talento. Es un personaje real, una gran diva venida a menos que sigue en su púlpito, engañándose a sí misma para evadirse de su tristeza interior. Uno de los primeros dramas sobre los peligros de la fama y las historias malditas que el celuloide había creado en su joven envejecimiento, el retrato de su protagonista es poco menos que desgarrador.

Gloria Swanson había conocido mejor que nadie esta historia. Demasiado bien lo conocían también Mae West, Mary Pickford, Greta Garbo y Pola Negri, que rechazaron el papel quizás por no querer revivir lo doloroso de las mieles del éxito. Este sobreactuado rol (que bebía directamente de su personaje real, y viceversa) la volvió a traer a la palestra con una nominación al Oscar. La Academia aplaudió a su pasado al nominar también al complicado Erich von Stroheim, otro antiguo icono que demostró que seguía teniendo carisma a pesar de los años y su recién descubierta voz. El nada halagüeño retrato de Hollywood se convirtió en un homenaje a la historia, una que se había disipado en cuestión de un par de años para nunca volver a mirar atrás. Los grandes productores como Darryl F. Zanuck, Olivia de Havilland, Tyrone Power y Samuel Goldwyn -que eran los pocos que seguían en el negocio generación tras generación- no quisieron saber nada de la cinta. Al fin y al cabo habían utilizado el inflamable celuloide de sus antiguos éxitos para fingir incendios en sus nuevos filmes, y lo hubieran hecho también con sus antiguos rostros si les hubieran dejado. En cambio, estrellas como H.B. Warner, Buster Keaton, Hedda Hopper y Anna Q. Nilsson y, sobre todo, el legendario director Cecil B. DeMille (en una aparición millonaria) se pasearon por el set para participar en cameos como ellos mismos.

El cine sonoro, no obstante, siguió sin ser protagonista de ninguna gran producción. Al menos hasta casi tres décadas después. Pese a su estilo gamberro y payaso, Mel Brooks es una de esas raras voces originales de la comedia, reconocible casi al instante. Algo tan difícil de encontrar como de crear. Llena de slapsticks y humor físico, la obra del famoso judío bebe directamente de los primeros días del cine, por ello su empeño por hacer una película muda en plenos setenta (cuando era todavía uno de los directores más taquilleros), no debería haber extrañado a nadie. Reminiscente de los mejores gags de Los Tres Chiflados y haciendo uso de su mejor mala leche (un humor al que el Hollywood actual no daría luz verde), La última locura -llamada en inglés simplemente Silent Film- lo convierte en un cineasta alcohólico que se decide a dirigir una película muda para las salas modernas. La locura de la propuesta traspasó en 1976 los dos lados de la gran pantalla.

La ficción vuelve a copiar a la realidad, y Brooks se pone por primera vez frente a las cámaras en uno de sus largos para interpretar esta versión de sí mismo. Nadie más indicado para protagonizar este proyecto, acompañado por sus habituales Marty Feldman, Dom DeLuise y Sid Caesar, todos muy preparados para situaciones físicas sin diálogos, y por estrellas tan importantes como Burt Reynolds, James Caan, Liza Minnelli, Anne Bancroft (despampanante esposa del director) y Paul Newman. Incluso el mítico mimo Marcel Marceau estuvo dispuesto a aparecer, y pronunciar la única palabra de todo el metraje: un resonante “¡No!“. Nadie quería perderse la producción de una película muda, tanto en la ficción como en la realidad. Gracias a su participación, una película muda pudo llegar, por fin, al mainstream.

La obra no aportó demasiado al cine -a parte de la diversión paródica sin complejos habitual del director-, pese a su valentía. Aún así, es todo un hito. Una película muda en color, sin la necesidad de El Coyote y el Correcaminos. Algo que nadie creía que se repetiría. Al menos hasta que llegó la muy distinta The Artist, desde Francia con amor.

Otros cineastas relativamente modernos se han atrevido a observar desde dentro las antípodas del cine, aunque el cine mudo quedaba solo como un escenario en el que narrar sus relatos. Blake Edwards dirigía en 1988 el thriller policíaco Asesinato en Beverly Hills (Sunset), con las estrellas mudas de telón de fondo (y compartiendo con The Artist a Malcolm McDowell, tan fascinado por la idea de Hazanavicius que rogó por un simple rol de figurante). El estudioso cinéfilo Peter Bogdanovich trató de narrar los orígenes de la meca del cine en Así empezó Hollywood (Nickelodeon), allá por 1976.

Este mismo año, esperamos con ansias ver La invención de Hugo de Martin Scorsese, donde el responsable de Casino explora su amor por el celuloide y su conservación. Una obra camuflada como una cinta infantil que tiene entre sus protagonistas al pionero e ilusionista francés Georges Méliès (con el rostro de Ben Kingsley). Este género auto-referencial sobre las bambalinas de la industria del entretenimiento todavía tiene mucho que decir, como ha quedado claro en alguno de los éxitos del 2011, la época del cine sobre el cine.

En cuanto al cine comercial, debemos destacar los esfuerzos del humano canto que la tecnología hace a Buster Keaton en el primer acto de Wall-E, a través de una Pixar enamorada con las posibilidades del cine mudo (como demostró también en Up). No es raro tampoco que directores de prestigio como Alexander Payne hayan elogiado a lo largo de la campaña de premios a Hazanavicius, por tener la suerte de adelantarse a hacer un film mudo. Quizás, ahora es la oportunidad para que otros se atrevan a mezclar sus estilos con esta manera de ver el cine. En plena crisis, parece que necesitamos recuperar parte de la inocencia y simpleza clave para entender el cine clásico.

Dicho todo esto, no nos engañemos. Por mucho que la nostalgia nos embriague, como al romántico Owen Wilson en Midnight in Paris, el cine mudo como lo conocíamos (o más bien como nunca conocimos) nunca volverá a la primera plana. Nunca ha tenido un verdadero resurgimiento, y las masas no aclamarán a las puertas de las salas este regreso al pasado, por mucho que le constara entenderlo a Chaplin.

El cine mudo, sin embargo, seguirá tomando otras formas, completamente diferentes a las estructuras clásicas imprimidas en nuestra falsa memoria. Como comentábamos en la crítica de Drive, varias de las películas más aplaudidas de este mismo año compartían la parquedad en palabras de sus personajes, que no necesitaban de diálogos para emocionarnos y poder expresarse. Otras antes, como No es país para viejos o There Will be Blood, ya demostraron que a veces el diálogo no es indispensable. Nunca nos cansaremos de la palabrería de Wilder, Allen, Quentin Tarantino o Aaron Sorkin, pero el silencio es demasiado reconfortante como para olvidarnos de su potencia y significado.

En Cinetelia | The Artist y la lucha contra el cine sonoro a través de los años (I): Chaplin y su transición